到此为止，我的“少就是多”系列可以告一段落了。回到摄影的话题，谈谈我对摄影的理解。

建筑创作当中，如同音乐、戏剧和绘画一样，我觉得都有一种很容易走入的误区，叫做“匠气”。举一个很贴切的例子，张艺谋的《红高粱》里有个镜头，巩俐穿着一件红色棉袄，走在茂盛的玉米地里，万绿丛中一点红，从构图的角度说非常专业非常理想，所谓对比色如果面积相当为丑，面积差异大为美，这是美术的基本常识。我以前做过一个作业，一张人脸照片，复印了几十张黑白的，横平竖直地排列在一起，然后把一张彩色的，贴在当中合适的位置（比较简单的作法是找黄金分割点），标准的平面构成作业，轻易地拿到高分，这是按照学院派理论很容易做到的事情，只不过书本上用色块，我用人脸。

（万绿丛中一点红：）

然而在现实工作中，刻意把这些理论搬来，作为自己创作的手法，保险系数是很高，但是很容易充满“匠气”，看多了以后甚至觉得恶俗。顺便说，在网上找图片，突然觉得现在的素材都开始数码化了，看来我们的生活已经离不开1和0了。

（平面构成：）

《红高粱》的那个镜头，典型的“匠气”。张艺谋运用构图和色彩理论非常熟练，说明他是一个成功的工匠，但要成为大师，需要升华。创新需要脑子而不是金钱，所以被商业包围的他，很难有朝一日得道为大师。这也是个规律，世界上很多大师，在有生之年很少被推崇，一直过着窘迫的日子，所以要创造，必须具备“下地狱”的勇气。

（张艺谋电影海报：色彩令人无语，只能看第一眼）

（可以多看几眼的电影海报：）

摄影爱好者看着自己的作品，会不会有“这是我画的”那样的感觉啊？我觉得很有可能，把相机当成笔，描绘自己喜欢的东西。这样，摄影就和艺术发生了某种联系，摄影爱好者也就有了“速成”艺术家的机会。

摄影理论没研究过，听说了很多，什么景深啊，曝光啊，很多人言之凿凿，什么样的光线，应该用什么速度和光圈，“跟书上的某某作品一模一样”。好象只要一切按照规范来干，一定是好作品，把一滴水拍得晶莹剔透，就算功德圆满了。因为摄影爱好者众多市场巨大，所以各类摄影丛书铺天盖地，无非是灌输这些东西，让大家都变成工匠。哈哈，让我联想到家庭装修，一定要在客厅里放一套沙发，对面是一台平板电视，背后还要做一片“背景墙”，挂着吊灯，地板光可鉴人，那就是好装修了。我现在走进别人家客厅，只要弄清楚电视机在哪里，那怕闭着眼睛也不会找不到座位。真的，为什么沙发一定要正对着电视机呢？甚至为什么客厅里一定要有电视机呢？也许大多数人觉得这都是脑残问题，可是，我们的住宅已经足够千篇一律了，难道还要呆在同样的房间？

（教科书般的客厅：）

所以，我还是愿意当一个怀疑论者，对于摄影的一切，都想先问别人个为什么，同时问自己的内心，我同意吗？既然拍了，就不要再按着书本去构图和调整，试着拍一些自己喜欢的东西吧，给自己留一点回忆和感慨，不要等走不动路了，灵魂再次升入天际回望自己的时候，发现原来一直在重复所谓的“经典”，后悔就来不及了。

其实在我的心里，始终把摄影和绘画想成一回事了，觉得摄影的目标是“创作”而不是“表现”，如果只是“真实再现”，那叫拍照而不是摄影。也许我不需要拍运动场、不需要拍花瓣上的水滴、不需要在水里扔块石头然后拍涟漪，我真正需要的是，在别人不注意的地方找到我的视角，因为那样才能远离“表现”。

用镜头创作很难，如果我画画，我会画我愿意看到的东西、能体会的东西和想表达的东西，除此之外都可以随意抛弃，但是摄影不同，它无法回避现实，这和建筑有异曲同工之妙，建筑再好，总不能飘在半空里。摄影会不会也是遗憾的艺术呢？我看也很有可能。

（GTI照片：）

（GTI效果图：强调了什么忽略了什么？不是同一款车，但也能看出端倪）

所以我理想的相机，最重要的一条是色彩还原要准确。如果调不出理想的色彩，要画布干什么？

第二，要真实表现视野。镜头就是眼睛，看到透视就可以，但不要深加工。

第三，画质要锐利。如果手里只有一支6B铅笔，谈不上理想的素描。

最后，我不会去干后期制作的事情。如同建筑一样，缺憾也是很美的。

图片均来自网络